Mescojono porque acabo de corregir un error del mensaje anterior.

Quería poner "dedica" (del verbo dedicar), y puse "dedicaca".

Jodio subconsciente.

turutut escribió:Ya. Pero yo no me refería al autor, me refería al que decide que los dibujos de un discapacitado intelectual son "art brut". Es ese el que tiene que explicar porqué hace esa valoración.

El autor, bendito sea, bastante hace con expresarse como sabe.

Pues como todo, para estas cosas sirven los estudiosos y los críticos de arte. Y el art brut, arte marginal o el Outsider art viene a dar nombre a las manifestaciones artísticas creadas fuera de los límites de la cultura oficial.

¿Que quién decide que eso o aquello es arte y lo otro no? Ahí ya nos moveríamos en terrenos pantanosos, yo me limito a traer por aquí lo que considero artístico, simplemente.

Gloria escribió:

turutut escribió:Ya. Pero yo no me refería al autor, me refería al que decide que los dibujos de un discapacitado intelectual son "art brut". Es ese el que tiene que explicar porqué hace esa valoración.

El autor, bendito sea, bastante hace con expresarse como sabe.

Pues como todo, para estas cosas sirven los estudiosos y los críticos de arte. Y el art brut, arte marginal o el Outsider art viene a dar nombre a las manifestaciones artísticas creadas fuera de los límites de la cultura oficial.

¿Que quién decide que eso o aquello es arte y lo otro no? Ahí ya nos moveríamos en terrenos pantanosos, yo me limito a traer por aquí lo que considero artístico, simplemente.

Si lo que usted hace, doña, me parece estupendo. Visito su hilo regularmente porque me gusta.

Solo tuve curiosidad por saber si "alguien" había interpretado los cuadros del discapacitado.

Hablas raro, y te lo digo como piropo, eh!

Huub Niessen

[align=justify]El art brut es un «arte sin querer» que no busca el reconocimiento ni el conflicto con el arte oficial. Sus producciones responden a la más cruda necesidad de expresión y, así, nos permiten acercarnos de forma particularmente descarnada a esa desconocida raíz común a manifestaciones artísticas diferentes que, por igual, nos impactan y emocionan.[/align]







Juan Miguel Hernández León

Curzio di Giovanni

Carlo Zinelli

Madge Gill

Estoy cansada.

Laure Pigeon



[align=justify]Laure Pigeon (1882-1965) nació en Bretaña, Francia. Nunca conoció a su madre, que murió poco después de nacer ella. Fue criada por su abuela. La niña recibió una educación muy estricta. A la edad de 29 años, contra la voluntad de su familia, se casó con un cirujano-dentista. Después de 22 años de vida conyugal, se separó de su marido –cuya infidelidad había descubierto– y fue a vivir a una pensión. Allí conoció una mujer que la inició en el espiritismo.
Fue en esa época cuando Laure Pigeon hizo sus primeros dibujos, que no enseñaba a nadie, y a los que atribuía un carácter de médium. Laure Pigeon dibujaba figuras abstractas dentro de un complejo sistema de enrejados de hilos tenues, en tinta azul o negra. Los dibujos también contienen mensajes y profecías, cuya escritura –realizada en estado trance– es incierta, casi ilegible.
Quince años más tarde se instaló en un apartamento en la región de París, donde practicó el espiritismo a solas. Sus obras fueron descubiertas en su casa después de su muerte.[/align]

Hans Krüsi

Gloria escribió:[align=justify]El art brut es un «arte sin querer» que no busca el reconocimiento ni el conflicto con el arte oficial. Sus producciones responden a la más cruda necesidad de expresión y, así, nos permiten acercarnos de forma particularmente descarnada a esa desconocida raíz común a manifestaciones artísticas diferentes que, por igual, nos impactan y emocionan.[/align]

Juan Miguel Hernández León

Este sí que habla raro. Como todos los que hablan de Arte.

Yo nunca los entiendo.

De todas maneras, su hilo es muy interesante, doña.

Soy profundamente ignorante, llevo años recopilando ciertas imágenes, haciendo acopio virtual y físico de fotos y dibujos de este tipo de manifestación artística, interesándome por la relación entre la enfermedad mental y el arte, y nunca me había preocupado de hacer un elenco de los diferentes autores. Bueno, cierto es que también andaba más ocupada en otros menesteres, ahora alucino porque como es lógico y además de los que conozco y con los que me relaciono personalmente, estos artistas tienen nombre, incluso se les ha institucionalizado procurándoles un rasgo distintivo en lo que a corriente artística se refiere, este tipo de arte tiene un nombre y yo lo desconocía. Sé que es simplemente etiquetar lo que ya conocía, ponerle un nombre, titularlo, pero aún así, debería haber estado al tanto de ello.

Estoy hablando del Art brut, arte marginal u outsider art, ahora ando buscando algún buen libro en español sobre el tema, porque material gráfico y diferentes artículos ya tengo. Y claro como soy una palurda que apenas puede comprender cuatro letras en inglés pues sólo me queda buscar información en el idioma patrio.

La semana que viene es mi cumple, así que aprovecharé para que alguien me regale un librito sobre el tema.

turutut escribió:

Gloria escribió:[align=justify]El art brut es un «arte sin querer» que no busca el reconocimiento ni el conflicto con el arte oficial. Sus producciones responden a la más cruda necesidad de expresión y, así, nos permiten acercarnos de forma particularmente descarnada a esa desconocida raíz común a manifestaciones artísticas diferentes que, por igual, nos impactan y emocionan.[/align]

Juan Miguel Hernández León

Este sí que habla raro. Como todos los que hablan de Arte.

Yo nunca los entiendo.

De todas maneras, su hilo es muy interesante, doña.

Pero si este señor lo explica perfectamente, de hecho voy a acercarme al Círculo de Bellas Artes a ver si encuentro algo que haya escrito este hombre, que es el actual presidente sobre el tema.

Mira, aquí el comentario completo, yo creo que lo explica perfectamente.


[align=justify]La historia del arte tiene sus propias líneas de fuga, territorios tan ajenos a las líneas dominantes del arte oficial que ni siquiera se puede decir que hayan sido deliberadamente rechazados o menospreciados. Es el caso del art brut, del «arte en bruto», también conocido en el contexto anglosajón como outsider art: un tipo de obras heterogéneas y difícilmente clasificables cuyo nexo principal consiste en su origen al margen de cualquier clase de institución artística oficial o popular y cuyo descubrimiento para el público culto se debe al artista y teórico del arte Jean Dubuffet.

El primer contacto de Dubuffet con el art brut, en los años cuarenta del siglo xx, se produjo cuando comenzó a interesarse por las obras de arte realizada por enfermos mentales. Pronto su fascinación por estos insólitos trabajos le llevó a preocuparse por una amplia gama de autores, no necesariamente locos o marginados, cuya producción circulaba por terrenos que, desde el punto de vista de la historia del arte, sólo cabe entender en tanto que «no lugares»: diarios íntimos, desvanes, talleres privados... Los esfuerzos de Dubuffet se materializaron en un enorme elenco de 4.000 obras que, treinta años después, donó a la ciudad de Lausana, donde se encuentra el museo de la Collection de l’Art Brut. La exposición Genio y delirio presenta una selección de esta colección, sin duda la mayor y más importante del mundo.

Para una institución cultural como el CBA el art brut constituye tanto un desafío como una obligación. Las obras de art brut se caracterizan por ser el producto de un proceso creativo que es marcadamente íntimo y libre, respondiendo a una mitología personal que no se puede abordar con los criterios iconográficos convencionales y obligando con ello a replantearse las distintas definiciones del arte, ya sean apocalípticas o integradas. Las creaciones de los locos, de los niños, de los que decidieron alejarse de la civis no se parecen de hecho ni a las artes populares, ni al arte naif, ni a las producciones contraculturales. El art brut es un «arte sin querer» que no busca el reconocimiento ni el conflicto con el arte oficial. Sus producciones responden a la más cruda necesidad de expresión y, así, nos permiten acercarnos de forma particularmente descarnada a esa desconocida raíz común a manifestaciones artísticas diferentes que, por igual, nos impactan y emocionan.[/align]

Juan Miguel Hernández León

[align=justify]La obra de arte no debe ser la belleza en sí misma, o está muerta; ni alegre ni triste, ni clara ni oscura, regocijar o maltratar a las individualidades sirviéndoles pasteles de las aureolas santas o los sudores de una carrera arqueada a través de la atmósfera. Una obra de arte jamás es bella, por decreto, objetivamente, para todos. La crítica es por tanto inútil, no existe más que subjetivamente, para cada uno, y sin el menor carácter de generalidad. ¿O acaso se ha hallado la base psíquica común a toda la humanidad?[/align]

Tristan Tzara

En torno al exceso


[align=justify]Resolver la leve distancia comprendida entre la actividad neurotransmisora de nuestro cerebro y una rosa o una melodía que altera nuestra frecuencia cardiaca podría ser clave para entender el parentesco entre pasión y locura. En el preciso instante en que la música delata su cometido conectando nuestros sentidos, la maquinaria enajenada de afectos desordenados da sus primeros frutos en forma de lágrimas, exaltación, ansiedad, valentía y hundimiento, de planificación dramática que conduce inexorablemente al caos, a la pasión, a un padecimiento incontrolado que guarda relación con un desorden anímico que quizás tendríamos que renombrar químico. El ánimo, esa ánima, cae presa del turbamiento y con ella la razón y los sentidos. ¿Es amor, pasión o locura? ¿Fue amor la obsesión de Aloïse por el káiser Guillermo II durante su reclusión en el manicomio de La Rosière de Gimel? ¿Fue locura o más bien se trataba de la sublimación estética de la locura? ¿A qué responden, por tanto, sus dibujos y sus escritos? Existe sin duda un tenue hilo conductor que conecta los instintos más salvajes y menos elaborados con una necesidad casi animal de fijación y captura del momento, ya sea mediante la palabra o mediante la plasmación de imágenes o la acción. Desde los versos de Aloïse hasta el abandono de Basquiat a una escritura plástica primitivista
casi inconsciente y mecánica, pasando por las puestas en escena grotescas del accionismo vienés o el minucioso barroquismo de los dibujos de Madge Gill o de construcciones como House of Mirrors, de Clarence Schmidt, a lo largo de décadas han existido dimensiones implícitas en el arte que lo han convertido en objeto de vigilancia no sólo de la crítica, sino también de la medicina, la psiquiatría o incluso la iglesia.

A lo largo de los siglos, en la frontera nebulosa que por un lado separa y por otro relaciona los territorios del arte y la locura, de la plástica y la transcripción de la demencia, ha estado presente un elemento de sospecha que resulta clave para discernir, ordenar y argumentar la relación de algunas manifestaciones y categorías artísticas con ciertos estados de alteración psíquica. Desde las manifestaciones más primitivas hasta los más elaborados posicionamientos conceptuales, el acto creativo ha evolucionado siempre parejo y cercano a estados psíquicos en cierto modo alterados.

De hecho, siguiendo de cerca las sugerentes teorías de Hans Prinzhorn relativas a la creación desde la demencia, cabe interpretar las obras realizadas por sujetos considerados marginales o locos como estructuras lingüísticas propias capaces de conectarlos y relacionarlos con el mundo exterior, por mucho que a menudo esa no fuera su consciente y primera finalidad. Del mismo modo, podemos leer el trabajo artístico considerado desde su primaria intención como tal. ¿Acaso no estamos hablando, cuando nos referimos al arte, sea cual sea la consideración histórica a la que responda, de un lenguaje inventado a partir de premisas más o menos individuales y por consiguiente más o menos contextualizadas social e intelectualmente? El acto creativo participa en ambos casos de una misma finalidad conectiva, la ordenaciónde la forma o la palabra toma la vía de la comunicación de territorios ignotos para el espectador traduciéndolos con mayor o menor intencionalidad didáctica o críptica.

Por otro lado, resulta ilustrativa también la conclusión a la que llegaría a mediados de la década de los años cuarenta el crítico de arte Mário Pedrosa, a raíz de la investigación sobre las capacidades creativas de los enfermos de esquizofrenia mediante los talleres de terapia ocupacional como alternativa al electrochoque o la lobotomía, un proyecto llevado a cabo en Río de Janeiro por la doctora Nise de Silveira. Pedrosa argumentaba que «el artista no es aquel que sale diplomado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, ya que en ese caso no habría artistas entre los pueblos primitivos». En efecto, ha quedado probado que la consideración de la obra de arte como tal no siempre es normativa o, a lo sumo, no siempre se puede establecer de manera unívoca. Así lo demuestran los repetidos proyectos e investigaciones de psiquiatras y artistas que han analizado el trabajo de internos de hospitales psiquiátricos. Vienen inmediatamente a la cabeza los nombres de Walter Morgenthaler, la colección del Bethelem Mental Asylum de Londres de comienzos del siglo xix o la llamada colección Heidelberg, iniciada por Emil Kraepelin y utilizada décadas más tarde con fines políticos por el partido nacionalsocialista alemán. Aunque tampoco conviene olvidar el interés que despertó cierto tipo de arte inconsciente característico de artistas como André Breton o Paul Klee. Recordemos que el propio dadaísmo y, por supuesto, el surrealismo, fijaron sus bases en una defensa a ultranza de la liberación del inconsciente. Las imágenes que mostraron los proyectos recopilatorios clínicos antes citados no están muy alejadas de las experiencias que tuvieron lugar en los intestinos del Cabaret Voltaire o de las paranoias plásticas que inmortalizó el pincel de Salvador Dalí. Lo que llegado el caso distingue ambos tipos de obra es la incidencia de la crítica sobre ellas. Pensemos sin ir más lejos en la producción de Laure Pigeon, que sólo se descubrió tras su muerte. Desde luego, la recepción de su prolija colección de dibujos y pinturas está marcada por una perspectiva nada inocente, cargada de precomprensiones y posterior a la idea ejecutiva original de su autora. Esto es, tiene más que ver con la interpretación externa de la entidad de la obra en tanto que obra con carga artística, que con la posible intencionalidad de una colección fruto quizá de las alucinaciones o de los padecimientos (de nuevo la pasión) de la propia autora, un trabajo al que sólo la casualidad rescató de la oscuridad y el olvido.

Así pues, tenemos ya dos elementos que comunican la actividad creativa marginal y la considerada no marginal o integrada, realizada por quienes han adquirido previamente la categoría de artistas. Por un lado, el origen, la intencionalidad de la pulsión primera, inicial, el mecanismo de elaboración, el recorrido pasional hasta que se desarrolla la imagen, la acción o la palabra. Por otro lado, la recepción de esa imagen, de esa acción o ese texto integrado en el conjunto de categorías estéticas establecidas por crítica, público y mercado.

El primer elemento de conexión remite directamente a la figura del individuo creador, ya se trate de un enfermo o de un sujeto que se considera a sí mismo o el sistema considera artista. Tal y como apuntábamos arriba, llama la atención la afinidad de la actitud respecto al procedimiento creativo: en ambos casos la creación se entiende como una manera de establecer puentes de comunicación con el exterior, como una vía para sublimar y forzar estados de inconsciencia o de padecimiento. Se trataría, por tanto, de una estrategia lingüística, al tiempo que de una maniobra terapéutica. Tanto el artista como el demente o el sujeto primitivo participan de un ritual de liberación del inconsciente, en muchos casos compulsivo, cuyo residuo tiene concomitancias plásticas. Y sería precisamente aquí donde entraría en juego el otro nexo que pone en relación la obra de arte del outsider, del loco y del artista, esto es, la interpretación, la consideración de la obra por parte de público (ya sea aquí la institución psiquiátrica o el aforo de un museo) desde el punto de vista de su calidad artística y no en tanto que residuo de un proceso cuyas motivaciones iniciales son bien diferentes.

Hemos de incidir aquí en el hecho de que a lo largo de los siglos muchos artistas han demostrado vivir a medio camino entre una situación y otra, entre el taller y el manicomio; cabe recordar el caso de performers como Otto Mühl o diletantes como Antonin Artaud. Estos y otros sujetos, considerados en un principio artistas, plantearían en muchas ocasiones la duda respecto a los límites de la locura. La trasgresión que subyace a muchas de las manifestaciones de estos y otros artistas hace que esa frontera nebulosa fluctúe. ¿Por qué, si no, un individuo que agita su cabeza durante horas con movimientos y espasmos compulsivos nos resulta claramente un loco y, por el contrario, quien decide tomar una barca y desaparecer abandonado a la voluntad del mar en el horizonte, declarándolo obra de arte final, resulta ser referente durante décadas para muchas generaciones de artistas?

Si se admite que el ejercicio de la crítica y el papel del receptor de la obra constituye un elemento fundamental en la valoración de la artisticidad de cualquier tipo de creación, resulta entonces interesante analizar someramente la manera en la que se ha juzgado en diferentes etapas históricas la obra de los marginales, los enfermos mentales o los propios artistas que rozaron la frontera de la locura. Nada tiene que ver la consideración que los pueblos primitivos mostraban hacia los perturbados y sus acciones, observadas con respeto e incluso analizadas como portadoras de mensajes de interés, con la lectura que con posterioridad llevará a cabo la cultura cristiana occidental, que denostó la locura al relacionarla con el pecado y la figura del demonio.

La evolución de la tolerancia y de la sofisticación en la relación con la locura ha corrido paralela a los avances de la investigación científico-crítica y al planteamiento de cuestiones estéticas que se adentran en terrenos que antes sólo suscitaban miedo y rechazo hacia lo grotesco. Aunque durante el siglo xviii la visión romántica propició un cambio en la óptica con la que se observaban las manifestaciones de los enfermos en aras de un voto de confianza estético, las primeras incursiones que se atrevieron a relacionar el carácter y la entidad artística con las manifestaciones de la locura no surgieron hasta el siglo xix, con aventuras críticas como las de Cesare Lombroso en su estudio Genio y locura, publicado en 1882.

De forma casi paralela a Lombroso, nuestro premio Nobel de medicina, Santiago Ramón y Cajal, abordó, a raíz de sus estudios sobre las neuronas y el sistema nervioso, temas como la doble personalidad de los artistas: «Quien viva un verdadero drama, buscará en la ficción un lenitivo y un consuelo a sus amarguras y escribirá crónicas, versos alegres, cuentos graciosos y regocijados o anécdotas picantes. Cada cual finge lo que necesita por compensación de lo que tiene. De esta manera la vida mental se integra y completa, y todos los órganos cerebrales entran sucesivamente en juego».

Por su parte, el conjunto de trabajos de enfermos mentales que recogía la obra de Hans Prinzhorn Expresiones de la locura, publicada en 1922 a propósito de la colección de Heidelberg a la que antes hacíamos referencia, consiguió despertar un enorme interés. La teoría de Prinzhorn era plenamente positiva y equiparaba en muchos casos la gramática formal de las personalidades perturbadas con la de los artistas al uso. Prinzhorn hablaba de tendencias repetitivas, ornamentales o simbólicas.

Pese a la tergiversación y al uso panfletario que la propaganda nazi hizo posteriormente de estos esfuerzos, ejemplos como los de la colección de Heidelberg o acercamientos de artistas como Jean Dubuffet fueron responsables durante la década de los años cuarenta no sólo de un giro en la concepción del arte desde el inconsciente (degenerado, infantil o primitivo), sino de un verdadero movimiento de búsqueda de un arte no cultural, no normativo. Sin duda las pulsiones que motivan la creación artística, incluso las imágenes que surgen de manera sistemática y casi inconsciente de la mano de los artistas inmersos en el sistema de la cultura, han quedado necesariamente relativizadas. Después de todo, parece haber un estadio plagado de iconografía al alcance de los niños, los simples, los artistas o los perturbados, un territorio en el que coinciden las formas, crudas o cocidas, sofisticadas posteriormente con discursos programáticos o no, pero susceptibles de ser utilizadas como puente al exterior. Lo cierto es que sólo en el exterior, cuando se interpretan a partir de su contexto y de sus circunstancias, las imágenes inicialmente vírgenes de todo prejuicio son encasilladas o recibidas y normativizadas.

Lo cierto es que existe un territorio en el que la música es todavía capaz de vapulear nuestro sistema nervioso como lo haría una catástrofe, que existen espacios en los que la pasión se viste como se visten las palabras, los colores o los gestos; un estadio en el que el káiser puede ser amado hasta la locura con la misma vehemencia con la que Tristan Tzara verbaliza «bumbum, bumbum, bumbum», un territorio de imprevistos en el que coinciden arabescos, gritos, campos de maíz peinados por el viento o niñas perseguidas por soldados. Lo cierto es que el alma sigue demostrando su capacidad para apropiarse de todos y de cualquier territorio, ajena a la voluntad, ajena a la corrección, ajena al mar de sentidos en el que luego pueda caer su posible reflejo especular sobre el papel.[/align]

DOLORES DURÁN ÚCAR

No es un libro específico sobre art brut pero trata sobre la relación del arte y la locura:
http://www.libreriapaidos.com/978950969 ... N+RIVIERE/
Lo leí hace demasiado tiempo, apenas tenía 16 años pero me lo has recordado.

Y luego aunque en inglés/francés está la colección del museo (que ya leo más arriba) aunque más no sea para ver las obras:
http://www.artbrut.ch/en/21052/art-brut ... n-lausanne

El arte no se acuesta en las camas preparadas para él, se escapa tan rápido como se pronuncia su nombre: lo que ama es el incógnito.
Sus mejores momentos son cuando olvida su nombre.

Jean Dubuffet

(con perdón,traducción medio bestia de mi parte. Pero es una definición que me gusta)

Gracias, niña.

Muy interesante, doña.

De todas maneras, no se fíe de todo lo que se lee. Quien ha hecho genios a los locos son los marchantes de arte, no los teóricos del arte.

He mirado en Iberlibro.com y hay algunos libros sobre Art Brut, algunos de ellos en español. Consulte usted, que además tiene la suerte de vivir en Madrid.

Y no me vuelva a repetir que es pronfundamente ignorante porque todos sabemos que es mentira.

Todo lo que es susceptible de producir beneficio económico, también lo es de ser prostituido.

Y cuando digo que me sé tonta no es falsa modestia ni polladas por el estilo. La conmiseración me jode tanto ajena como propia.

Bueeeeeeeeno.

Pues es usted tonta.

A mi no me lo parece en absoluto, pero si usted lo dice, usted sabrá.

Una noche, no hace pocos ni muchos años, una de esas noches donde jugué a hacer catarsis, me crucé con un loco de esos que pintan. Sobre todo le gustaba hacer sus composiciones, medio pintura, medio collage, sobre cartones reciclados de cajas de galletas María. Le gustaban los ojos, los labios, los pechos, creo que le gusté yo. Esa noche, había salido desnudo a la calle, sin sus marcas distintivas, pero prometió hacerme el honor. A los pocos días, de mano del diablo, vinieron dos cuadritos con nombres de mujer, ojos, pechos y labios. Los guardé pensando que el tiempo dejaría de darme puñetazos al ponerlos ante mis ojos, que las huellas del diablo se borrarían. No tuve paciencia, perdí la fe y acabé destruyéndolos. No era culpa del loco, ni siquiera del diablo, me pudo la impaciencia y de adelantarme al olvido que siempre llega y ahora me jode esa ausencia. No puedo ir a buscar al loco porque va de mano del demonio, ni siquiera puedo pronunciar su nombre, una lástima...

He estado estar tarde en La Central y me he traído este librito escrito en 1.922, bueno, éste y otro para mi cole colección de Caperucitas. No he podido elegir, he ido a la librería que tienen en Callao y sólo tenían éste sobre el tema, tendré que acercarme a la Central del Reina Sofía para echar un ojo al resto.